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Ballers - serie TV

Posted by Stipey on 23:46
Narra la vida de un grupo de jugadores de fútbol americano, algunos en activo y otros retirados, con Dwayne Johnson en el papel de Spencer Strasmore, un atleta ya retirado. El grupo se compone de Charles (Omar Benson Miller), un jugador retirado que está buscando cual es el siguiente paso en su carrera; Ricky (John David Washington), un atleta muy competitivo y espiritual; y Vernon (Donovan W. Carter), un deportista muy centrado en su familia. Además, tendrán que lidiar con Joe (Rob Corddry), un asesor financiero al que le cuesta encajar; Jason (Troy Garity), un agente de primer nivel; Michaels (Taylor Cole) una reportera de ESPN que está enamorada de Spencer; y Tina (Letoya Luckett), la viuda de uno de los mejores amigos de Spencer.

-¿Alguien se acuerda de 'Entourage' ('El séquito')? Era una serie (aún llega ahora una película a modo de secuela) sobre la vida de una estrella de Hollywood y su grupo de amigos, bastante apreciada por el público pero con muy mala fama entre la crítica norteamericana, debido principalmente a que trataba de problemillas de millonario y a que en el fondo todo acababa saliendo bien, sin grandes dramas. Uno de sus productores, Steven Levinson, aplica ahora más o menos el mismo tratamiento al mundo del fútbol americano, con la misma mezcla de jóvenes ricachones, cochazos, cacho casas, tías con poca o ninguna ropa y escandalillos de poca monta que a veces te cuestan un milloncejo o dos, que luego acabas recuperando enseguida de alguna manera. El protagonista es Dwayne Johnson, el famoso The Rock, que por una vez se guarda los músculos bajo un traje y hace aquí de exjugador recientemente retirado que ahora se pasa al mundo de las finanzas deportivas, intentando usar sus contactos y conocidos para que lo fichen como representante. Esto le coloca en una posición ideal para tratar con jugadores en activo (algunos de ellos, como pasaba en 'Entourage', son estrellas reales haciendo cameos en la pantalla), con directivos, dueños de equipos, novias, esposas, groupies, gorrones y demás fauna del ecosistema. En principio, los otros personajes secundarios van a ser un talentoso veterano que tras ocho años de experiencia empieza la cuesta abajo, otro retirado reciente a quien no mucha gente reconoce por la calle y que se mete a vendedor de coches, y el propio exagente del prota, ahora convertido en jefe y mentor suyo en su nuevo empleo. Peter Berg, uno de los principales encargados de 'Friday night lights', una muy buena serie sobre fútbol americano a nivel escolar, echa una mano al proyecto dirigiendo el primer episodio y encarnando al entrenador de los Miami Dolphins. No va a ser una serie rompedora, desde luego, y quizá tenga un poco más de arista y un poco menos de comedia que 'Entourage', pero sin duda está dirigida al mismo público, aunque el efecto "cameo sorpresa de cara conocida" lógicamente se perderá casi completamente para los no conocedores del mundillo del fútbol americano. Johnson, eso sí, da el pego completamente como exestrella del asunto de luminosa sonrisa a quien todo el mundo recuerda con afecto.

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Spider-Man: Homecoming

Posted by Stipey on 23:48
Un intento desesperado de Disney y marvel por hacer que el hombre araña pertenezca a su universo de súper héroes olvidando totalmente al personaje y pasándolo a segundo término... En esta versión de la película cualquier súperheroe es más adorado que Spiderman. Sin historia original, orígenes forzados de enemigos, un personaje adolescente y ridiculo que solo busca hacer reír al espectador.
Gustara a la gente a quien no le interesa de verdad el personaje. Y quien gusta de reír en lugar de conocer una historia turbia y agria que lleva consigo Peter Parker (Spiderman) pues el súper héroe a pesar de tener lo que todos quisiéramos (super poderes) goza siempre de una vida miserable... en esta película definitivamente NO
Ahora veamos con spoiler porque la película es tan mala a mi gusto.
a) Ausencia del tío Ben o de cualquier tipo de huella que pudiera dejar en este universo... todos sabemos que el tío Ben fue aquel que obligó a Spiderman a madurar, a pensar en lo que había obtenido (superpoderes) como una responsabilidad, a partir de la muerte del tío Ben Spiderman experimenta un cambio radical en su comportamiento y comienza a ver el mundo de manera distinta, en esta versión Spiderman simplemente se preocupa por no poder salir con una niña al baile... la tía May parece estar lista para encontrar un buen amante en cualquier lugar y el tío Ben le viene valiendo un cacahuate.
2.- Spiderman forjado al 100 % por ironman, Spiderman era un intelectual, no solo tenia súper poderes pues el junto dinero para diseñar su traje el mismo, todo lo que consiguió no fue gracias a Tony stark, en esta versión Tony le regala un súper traje con funciones hasta más geniales que las del mismo iron traje... y como castigo se lo quita, para dar el mensaje que debe merecer el traje.... es lo más trágico de la película (literal)
3.- Todos los personajes son olvidados creando un universo en donde ni Mary Jane, ni Gwen Stacey importan, y Liz su amor en turno es un chiste, cada personaje modificado a antojo de Disney para eliminar los límites raciales lo que hace que ya no se pueda identificar a ningún personaje... Mj es una niña feita y retraída siendo que Mj siempre fue vista en el cómic como un personaje extrovertido presumiendo su belleza y cabello pelirrojo que la caracteriza a.
4.- el enemigo EL BUITRE... visto desde el mismo punto de vista que Spiderman, forzado para aparecer y pertenecer al universo de los vengadores hacen que sus causas sean ridículas, un personaje que nunca tuvo peleas épicas, y enemigos dispersos que querían parecerse a los reales pero fallaron al no tener argumento por ocuparse más en si Peter de 13 años podía ir a nadar con su amiguita o no...

Falta de desarrollo
Falta de creatividad
Humor excesivo
No representa el mundo agrio de Spiderman que lo obliga a madurar para ser un gran héroe
Película para niños
Sin historia de Spiderman ni de los héroes

Nos encontramos ante lo peor que nos pudo pasar a los fans de Spiderman... probablemente nunca tendremos una historia que continúe con la originalidad y que nos haga llorar, reír, enojarnos... Spiderman el héroe más sobre-explotado...

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La momia

Posted by Stipey on 00:14
A pesar de estar enterrada en una tumba en lo más profundo del desierto, una antigua princesa (Sofia Boutella) cuyo destino le fue arrebatado injustamente, se despierta en la época actual, trayendo consigo una maldición que ha crecido hasta límites insospechados con el paso de miles de años. 

Ayer fui testigo de uno de los intentos más bajos que Hollywood ha cometido. La escasez de ideas en la industria del cine estadounidense no es algo nuevo y este panorama lleva reiterándose dejándonos "deja vus" cinematográficos cada cierto tiempo.
Es verdad que a veces te encuentras con sorpresas disfrutables como 'Mad Max' o 'La Lego Película' pero esta nueva versión de 'La Momia' no ha resucitado con la suficiente frescura.
Pero antes de nada, pongamos algo de contexto a la cinta de marras.
Cuando en 2014 Marvel Estudios estaba petándolo con sus criaturas cinematográficas retozando en el mismo universo. Muchos ejecutivos sedientos de dinero friki estaban maquinando nuevas formas de exprimir la idea del crossover o universo compartido ampliado. Warner Bros con el mundo de Harry Potter o el "Monsterverse" de 'Godzilla' o 'Kong' , DC Comics con 'Batman v Superman', el 'Arrowverso de CW'. Sony quiso montar un 'Spiderverso' de spin-offs con el Spider-Man de Andrew Garfield con inconcluyente resultado.
Y Fox....
Me gustan tus sábanas.
Universal ingenua e inocente quiso también montarse en el dólar y hacer lo que ya hizo Stephen Sommers en 2004 , pero explotándolo con varias películas de relleno con cliffhanger y MONTAR SU JODIDO Y MAQUIAVELICO UNIVERSO COMPARTIDO DE MONSTRUOS CLÁSICOS.
Se intentó hacer un amago con 'Dracula Untold' pero no llegó a buen puerto. Y ahora Universal vuelve a intentarlo contando con Alex Kurtzman como núcleo creativo dando un puñetazo en la mesa de ejecutivos al grito de "¡Esta vez va en serio, coño!".
La criatura resultante de este brainstorming engorilado es el 'Dark Universe' o 'Universo Oscuro'. Donde se iniciará con el reinicio de 'La Momia' y se continuará con nuevas entregas de La Novia de Frankenstein, Doctor Jeckyll , El Hombre Invisible, etc. Y he aquí el pilar central de este nuevo universo oscuro, el reboot de 'La Momia'. Que un reinicio sea el pilar de este universo, dice mucho de su creatividad, pero este es un tema aparte.
La película intenta repetir la fórmula Marvel con actores de renombre interpretando personajes clásicos, paisajes internacionales , acción, chascarrillos, efectos especiales, guiños y muchas posibilidades de generar un fructífero y adinerado universo.
Pero… "Oh, la ironia".. este Frankenstein corporativo ha sido un experimento fallido que se ha revelado ante sus creadores. ‘La Momia’ (2017) es una cinta soporífera, que no sabe encontrar el tono adecuado y que se le ve las costuras por todos los lados.
La parte actoral es incomprensible, sobre todo teniendo en cuenta a que tienes actorazos como Cruise o Crowe muy sobreactuados, soltando diálogos ridículos y con algunos primeros planos vergonzosamente rodados.
Los personajes son vacíos en un quiero y no puedo de intentar hacer gracia y rallando lo cliché. Y el tema cliché en esta película es muy sangrante. Dicen sus creadores que esta película es feminista porque presenta la primera mujer momia villana. Y nada más lejos de la realidad.
La presencia femenina es mínima y solo se aprovecha de dos maneras: como interés romántico o sexualizada. Me frustra que en pleno siglo XXI siga existiendo una película en la que la presentación de un personaje sea con una sucesión de chistes de guerra de sexos digna de una comediucha de finales de los 90. Por no mencionar que se siga haciendo castings en los que la contraparte amorosa de Tom Cruise sean mujeres veinte años menor que él.
Pero volviendo al tema personajes. La presentación de ellos es confusa y a veces forzada. Intentando decirte que debes cogerles apego, pero está tan mal ejecutado que te encuentras a seres sin personalidad siendo vulgares títeres según sea la escena. Hay un momento de alivio cómico inoportuno con un personaje que genera incomodidad sobre todo sabiendo el vínculo emotivo que existe. Pero luego hay momentos que lo sobredramatizan con otro y a ti directamente, te la suda lo que les pase. No hay carisma. No hay alma.
La película está muy mal rodada. Las escenas de acción no son originales, no llaman la atención ni innova nada. Son escenas vistas mil y una veces. Una explosión por aquí, un tiroteo por acá y ya. No hay planos llamativos. No hay épica.
Y los monstruos que son la parte principal de la película están muy descuidados. La versión del 99 de 'La Momia' sin ser una obra maestra, se recreaba y divertía en este apartado, creando escenas únicas o dándole un nuevo giro al enfoque. Aquí (la del 2017) el único giro que tiene es que la momia femenina transforma la gente en zombies BESÁNDOLOS.
Porque claro, es una mujer, y Hollywood sabe que toda buena villana necrófila debe zorrear al personal. Pero solo si es mujer, si es hombre ya le buscaremos un trasfondo de desarrollo argumental. Hay escenas muy vergonzosas. Escenas en las que supuestamente hay una tensión de terror pero luego meten un gag sin gracia con calzador de mala manera que estropea el ritmo y tono. Intenta recrear lo que Sommers hizo pero muy mal ejecutado. Luego está el tema del Universo Oscuro. Esta película intenta hacer un amago Van Helsing pero en plan intensito y con aspiraciones de hacer secuela. Van Helsing no es precisamente una obra maestra, pero tenía un tono socarrón de principio a fin y sobre todo era consciente de su artificio poco pretencioso por lo que fluía de manera natural. La estructura de 'LaMomia 2017' está diseccionada torpemente como si de repente, a la peli de 'Expediente Warren' le metieras un gag de 'El Bar Coyote'. Es super anticlimatico. Hay una especie de guiño o plagio de escena a "Un Hombre Lobo Americano en Londres" que es la definición gráfica de la incoherencia cómica.
Y si, la película tenía mucho potencial. Francamente, un universo cinematográfico de monstruos clásicos es una idea bastante llamativa. Y que Imhotep me libre si no lo he “gosado” con algunos guiños al film del 99.
Pero lo han hecho de una manera muy perezosa y no me extraña sabiendo que Alex Kurtzman (guionista que ya hizo sus pinitos en la saga “The Amazing Spider-Man” en cagarla con lo de presentar múltiples subtramas abiertas sin rumbo en las que la secuela de la secuela las arreglarían…o las salvaría…Moe , por ejemplo. Y no señores, ese no es el camino. No puedes forzar esa magia y naturalidad que hace Marvel Estudios en asentar y presentar múltiples personajes con un largo canon en tan solo una película. Seamos francos, Marvel Estudios no realiza películas indies o proyectos con meros fines artísticos, pero al menos es más sutil y no es tan evidente como esta película que te grita ¡COMPRAD MIS SECUELAS Y SPIN OFFS! ¡EN LA PELÍCULA GRUPAL TODO MEJORARÁ Y TENDRÁ RELEVANCIA ARGUMENTAL!
Warner lo pagó con Batman V Superman o ‘Escuadrón Suicida’. Y Universal ha parido una criatura muerta antes de nacer. Y es una verdadera pena.
En resumen, no paguéis por este experimento de marketing sin alma ni diversión. Hay películas de aventuras que con poco ya hicieron mucho más que esta.

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Dunkerque

Posted by Stipey on 00:12
Año 1940, en plena II Guerra Mundial. En las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeadas por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca. 

Nolan alejándose del cine más fantástico o de ciencia ficción nos acerca en este caso a una historia real, al cine bélico y en concreto a la Operación Dinamo. Pero para realizar este film lo hace libremente, desmarcándose de las líneas generales del cine histórico y más concretamente del cine bélico. Y es que Dunkerque no es cine bélico en si, es más bien cine catastrofista, los personajes han de sobrevivir a una catástrofe y en este caso es a una guerra. Así no veremos apenas escenas bélicas, no veremos a un enemigo, veremos las ansias por sobrevivir, por seguir viviendo pese a todo, por huir y salvar la vida. Eso nos quiere mostrar Nolan en su última película, no la guerra, el querer vivir dentro de esta.

La forma de hacerlo, hay que reconocerlo, es muy valiente y diferente creando la que, posiblemente, sea la película más complicada, para el espectador, de Nolan. Se aleja del cine más convencional y propone una historia coral protagonizada principalmente por personajes anónimos de los que únicamente llegamos a conocer lo que vemos en pantalla, el espectador no recibe más información de ellos, apenas hay diálogos e incluso prácticamente suprime las historias personales para que sea la imagen la que hable, y es que Dunkerque es exigente con el público, el eje temporal del relato está roto en tres, y estos tres espacios temporales convergen a la vez en un mismo montaje, ha de estar atento el espectador para saber lo que está viendo en pantalla y cuando sucede para no perderse.

En cuanto a la realización estupenda, un prodigio, destacando esas magníficas escenas bélicas aéreas, difíciles de superar, el montaje posee momentos sublimes, se mezclan espacios temporales provocando momentos de gran belleza y fuerza, teniendo mucho más sentido tal y como están expuestos y aumentando la agonía y la tensión en el espectador. La imagen es prodigiosa siendo el principal recurso de la narración pues el relato es reducido al mínimo, se basa principalmente en imágenes y estas nos apabullan, la película, por una vez es corta ya que un relato tan agónico no puede alargarse en exceso.

Una vez más Hans Zimmer pone la banda sonora a una película de Nolan y en este caso puede que se trate de su la mejor obra de Zimmer, ese sonido del paso del tiempo, esa musicalidad de las bombas, del horror, del silencio. Sin embargo la música es constante toda la película, hay veces que con el silencio o con el sonido diegético únicamente la escena ganaría en fuerza, en credibilidad, pues la música nos arropa, nos proporciona seguridad, nos dice que lo que estamos viendo es una película, nos saca de esta y nos devuelve a la butaca... En cambio en otras partes su uso es magistral, el problema que le encuentro (y sucede mucho en las obras de Nolan) es su abuso, el ser constante, en primar por encima del sonido o de los diálogos, por encima del relato.

Dunkerque es una gran película en la que el espectador ha de poner de su parte, ha de concentrarse en lo que ve y olvidarse de un relato normal, estamos ante una película diferente, por fortuna el nombre de Nolan (y la publicidad) hará que mucha más gente se acerque a una película diferente y probablemente la disfruten.

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Una noche fuera de control

Posted by Stipey on 00:11
Historia de un grupo de amigas cuya despedida de soltera en Miami va demasiado lejos cuando muere el stripper que contratan. 

Hollywood anda escaso de ideas, las cosas como son. Si en mi crítica a 'Baby Driver' ya lo comentaba, tras ver la película que nos ocupa es imposible que este pensamiento no resurja de nuevo. 'Una noche fuera de control' puede parecer, a primera vista, una 'Resacón en Las Vegas' con chicas. Y bueno, en parte lo es. En su primera parte es así. Vamos a Miami de despedida de soltera, nos metemos unos tiros y arrasamos con todo lo que pillemos. Sorprendentemente, esto dura poco. Uno puede pensar que es solo en su inicio cuando se basa en otras películas, pero no. Llegados a cierto punto, la película deja de recordarnos a el film de Todd Phillips… ¡Para recordarnos a 'Very Bad Things'! Bueno, más que “recordarnos” lo que hace es adueñarse de la premisa del largometraje de Peter Berg como se puede ver en el tráiler. Casi que, más que una versión femenina de 'Resacón en Las Vegas' es una versión femenina de 'Very Bad Things'. A partir de ese momento la trama se desmadra, y no para bien, acabando siendo un batiburrillo de muchas cosas. A lo que me vengo a referir con todo esto es que ‘Una noche fuera de control’ SI es otra estúpida comedia americana romántica. Y de las malas.

Más allá de inspirarse / plagiar otras cintas, la película no sabe muy bien por dónde ir. Su trama no para de enredarse a la vez que sueltan un gag tras otro. Intentan sorprender al espectador a la vez que intentan hacerle reír. Lo primero no lo consiguen ni por asomo, lo segundo si lo hacen de vez en cuando. No puedo decir que no me haya reído un par o tres de veces, especialmente con la visión que nos muestra de lo que es una despedida de soltero. Lo intenta tanto que alguna vez, de forma forzada, hace reír. Más que por el guión, por el reparto. El reparto es lo mejor de todo el conjunto, no hay duda. Tiene puntos álgidos, como Kate McKinnon (que ya fue lo mejor de 'Las cazafantasmas') o la pareja formada por Ty Burrell y Demi Moore, pero por desgracia también tiene puntos muy bajos como esa Jillian Bell que es una fotocopia de Rebel Wilson o unas Ilana Glazer y Zöe Kravitz sin mucha gracia. También tiene puntos intermedios como Scarlett Johansson y su novio, que tienen sus momentos hacen correctamente su trabajo. Pero a nivel general es un reparto que cumple con su función y que, desde luego, mal no se lo pasaron en el rodaje porque se nota buen rollo. Pero es que aquí se acaba lo bueno.

‘Una noche fuera de control’ forma parte de esa comedia estadounidense que es mejor guardar en un cajón. Comedia romántica de manual, que trata de ser un poco irreverente para llamar la atención pero que se queda en el intento con un final a la altura del producto. Además, también forma parte de esta nueva moda de feminizar productos que han sido masculinos. Si, hablo de 'Resacón en Las Vegas' y 'Very Bad Things'. No quiero que me entendáis mal ni que se me acuse de cosas que no son. La figura femenina en Hollywood NECESITA películas así, películas “para chicas” que vayan borrando todo el machismo que hay en la industria del cine. Que dejen de ser objetos y que sean las protagonistas de la función, como el caso que nos ocupa. Pero si todas las producciones tienen este nivel, la cosa no va bien. Películas así pasarán totalmente desapercibidas, no es el camino. El camino a seguir (bajo mi punto de vista) es el de 'Mad Max Fury Road', 'No Respires' o 'Posesión Infernal' donde las mujeres tienen una importancia vital sin que esto desentone o llame la atención forzadamente.

No me voy a extender mucho más porque no hay más donde rascar. Lo único realmente bueno es que puede servir para recordar lo buena que era 'Very Bad Things', muy reivindicable. Que cada uno gaste el tiempo en lo que quiera, y puede que incluso haya quien se divierta con la cinta de Lucia Aniello. Pero yo no la recomendaría más que para una muy aburrida tarde de domingo. Tampoco es una cinta insultante, pero por culpa de la previsible trama y los múltiples elementos que coge de otras películas, hace que acabe cayendo en el cajón de la indiferencia. A otra cosa.

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American Gods (serie TV)

Posted by Stipey on 00:09
Sombra cumple condena cuando su mujer y su mejor amigo acaban de morir en un accidente de coche. Es en mitad de un tormentoso vuelo, de camino al funeral, donde conoce al Señor Miércoles. Ahora Sombra debe ejercer como guardaespaldas del Señor Miércoles durante un peligroso viaje por los Estados Unidos, un viaje de reclutamiento ante una guerra inminente entre los antiguos dioses mitológicos y los modernos dioses paganos de la tecnología.

Fue gracias al podcast "La cabaña de Podcast" (del que soy fan y que os recomiendo a todos fervientemente) que descubrí la serie y gracias a Amazon Prime Video que me ví la serie en apenas 4 días (son 8 capitulos).

¿Cuantas veces hemos maldecido?, ¿Cuantas veces nos hemos hecho preguntas imposibles de contestar?, ¿Cuantas veces en nuestra desesperación pedimos ayuda al infinito pese a no creer en nada?. Uno se acuerda siempre de Santa Barbara cuando truena...

Y es que aquí voy, creo que nunca se es 100% ateo, sean los dioses de las leyendas o los de las religiones más asentadas, hay un impulso en todos nosotros que nos invita a creer a imaginar, a no pintarlo todo de negro, de un vacío absoluto, de creer que hay "un algo más", inexplicable pero cierto como la vida misma.
Esta serie recoge muchas de las leyendas mitos y dioses americanos más populares que se extendieron por distintas generaciones hasta incluso llegar a nuevos de hoy en día, transforma esas vivencias que se convirtieron en cuentos tergiversados, canciones populares o mera leyenda en un impresionante cuento imaginativo estupendamente filmado y con una narrativa de calidad que te atrapa desde el minuto 1.

Analizando a fondo la serie en sí, por ahora sólo esta disponible la 1º temporada en la fecha que estoy haciendo esta Review y ni si quiera ha concluido así que no juzguéis futuros acontecimientos en futuras temporadas-...
No pude equivocarme más al haber juzgado "el libro por su portada" (en este caso el traíler), desde que empezaron los minutos del primer episodio y disfrutando la serie en VSO mi boca cada vez se abría más y mi expresión de "empanado flipado" no hacía más que aumentar. Esa especie de flashback a lo 300 nada más empezar me sedujo por su crudeza, su violencia y por la demencia que producía en los humanos el tema de los dioses y los sacrificios para con los mismos, me recordó de algún modo a la metafórica escena de Kubric en "Odisea en el Espacio" cuando el chimpancé coge un hueso para defenderse y con esa sola imagen entiendes el proceso de la evolución humana desde el punto de vista del director, aquí no fue de manera tan sutil, pero me transmitió el poder que pueden tener las creencias en el hombre, el poder de implantar una idea y asentarla sólidamente en la cabeza de las personas.
Quitando esa introducción muy al estilo comic conoces al protagonista, que me recuerda por cierto muchisimo y sin ánimo de ser racista a una especie de Kratos negro(personaje principal del videojuego God of War). A partir de aquí empatizas en seguida con él, el director no pierde el tiempo con presentaciones irrelevantes, te pone en la piel de su vida en el presente y te das cuenta de lo jodido que está. De repente nuestro prota conocerá a una persona muy curiosa y embaucadora en un avión que le ofrecerá un trabajo...
A partir de aquí el prota se verá sumido en un mundo de fantasía, cosas imposibles, idas de hoya por un tubo (insisto en esto último por que no he visto una fumada más grande en una serie en mi vida) y todo tipo de situaciones surrealistas que encajan acojonantemente bien y con suma calidad.
En serio, podéis decirme la serie que queráis y estoy seguro de que ninguna tiene este tipo de filmación, con escenarios y planos o situaciones tan absurdamente originales. Los dioses que verás aquí no son los típicos como Zeus o Prometeo, tremendamente poderosos, aquí cada uno tiene su peculiaridad pero parecen personas normales como tú o yo y eso también lo hace especial, pues viven como nosotros entre nosotros, sin tonterías.

Puede resultar una serie extremadamente rara al principio, y tiene algún capítulo algo pesado, pero creerme lo compensa de sobras y os dejará sentados en el sillón con ganas de más.
Es posiblemente lo más original que os habéis echado a la cara desde hace mucho tiempo.
La ilusión que me ha transmite esta serie con cada capítulo nuevo es similar a lo que conseguía Breaking Bad en su día o la primera temporada de True Detective o Juego de Tronos.

Chapó al director, chapo al equipo de edición y chapó a los actores o mejor dicho ACTORAZOS, mirarla en VSO y apreciar sus actuaciones por que merecen la pena, un trabajo muy profesional en todos los departamentos y cada nuevo capítulo es algo completamente nuevo.

Por ahora le otorgo un 9 más que merecido y recordar lo que os digo, esta crítica la he hecho cuando esta serie acaba de salir y solo tiene 499 votos, de aquí a un año todo dios lo estará viendo 100% seguro por que esto no tiene otro nombre que SERIOTE.

Y recordar, "los dioses sólo existen si crees en ellos"...

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Cars 3

Posted by Stipey on 10:35
Sorprendido por una nueva generación de corredores ultrarrápidos, el legendario Rayo McQueen queda relegado repentinamente del deporte que tanto ama. Para retomar su carrera, va a necesitar la ayuda de una joven mecánica de carreras, Cruz Ramírez, que tiene su propio plan para ganar, además de la inspiración del fallecido Fabuloso Hudson Hornet y un par de giros inesperados. ¡Y para probar que el nº95 no está ni mucho menos acabado, el campeón tendrá que poner a prueba su valía en el gran circuito de la Copa Piston! 
 
Creo, desde la propia experiencia, que sentirse "viejo" no es algo tan inusual como parece, ni necesita esperar a que se tenga determinada edad.
Tan solo basta tratar con niños o adolescentes, bajando la coraza de seguridad que da la madurez, para de repente verse inundado por experiencias que no entiendes, y que por mucho que lo intentes solo puedes aplicar a ti mismo, pensando "yo no lo haría así" o "yo a su edad era diferente".

Se cae así en la trampa de seguir considerándote "joven", o en la convicción de que todavía no estás "fuera de juego", y piensas que tu fecha de caducidad está todavía muy lejana, lo único que pasa es que antes las cosas eran diferentes, y se solucionaban de otra forma (a tu manera, la "buena", piensas).
Pero por dentro, pensándolo bien, te reconcome imaginar que pueda ser cierto algo de lo que dice esa nueva generación, con todas las oportunidades a su favor, y tú en el fondo no seas más que una antigüedad de otra época, agarrándote a una manera de hacer las cosas que ha de cambiar forzosamente, como tú cambiaste la de tus mayores.

De todo eso habla 'Cars 3' desde su amabilidad animada, camuflándose con carreras y colorines, pero sin dejar de lado sinceridad en lo que cuenta.
Vemos los días de gloria de Rayo McQueen, tan brillantes que podrían ser eternos, y apenas nos damos cuenta de cuando empiezan a adelantarle otros, cuando no ha sido suficientemente rápido, o cuando deja de preocuparle ganar la carrera, y la prensa se encarga de recordarle que eso es lo único para lo que vale.
Supongo que, cuando haces algo durante mucho tiempo, aprendes a tomártelo como un camino que no tienes prisa por recorrer, aunque siempre habrá quien se encargue de recordarte que vivimos en la inmediatez, que debes ser el primero, porque si no... ¿qué otra cosa puedes ser?

A favor de la saga 'Cars' hay que decir que siempre tuvo grabado a fuego que ser el primero nunca significaba ser el mejor, pero no deja de existir esa competencia por ser más rápido, que puede ser la mejor broma entre colegas corredores, pero que fácilmente puede tornarse desagradable mofa entre rivales irrespetuosos.
Rayo McQueen, un buen día, se encuentra rodeado de esa clase de competidores, sin amigos que le alienten y con un "ha sido divertido" cómo posible nota final de su pasión.
No se necesita mucho para volver la vista atrás y preguntarse qué ha pasado con ese campeón que devoraba los circuitos, con humildad por bandera y sincero entusiasmo por lo suyo.

¿La respuesta?
Ha pasado el tiempo, tan necesario como imparable, que produce achaques y da paso a caras nuevas. Ya hay que tener agallas para hacerlo pasar en una franquicia animada familiar, pero eso no debería sorprendernos de Pixar, que aprovecha esta lógica consecuencia para madurar los temas de la saga y hablar del fracaso como oportunidad de reinvención, nunca de rendición.
Rayo entonces comienza a entrenar ayudado por Cruz Ramírez, con el objetivo de batir al súper-moderno bólido de carreras Jackson Storm, y ahí podría empezar la parte más convencional de la película, con montajes sincopados que registren el espectacular regreso de McQueen.
Pero Pixar no ha tomado la salida fácil desde el inicio, y desde luego se resiste a tomarla más tarde: aunque haya concesiones al público infantil, como el rodeo vaquero en el barro, se va deslizando un particular trasfondo acerca de las oportunidades entre entrenador y entrenado.

Cruz Ramírez no eligió su lugar por vocación, sino porque parecía la única salida que le quedaba, y ahora entrena a un viejo coche al que empujan para renunciar a su pasión.
Dos personajes atrapados en respectivos momentos vitales, que todavía se sienten con más que aportar, pero ambos tienen miedo de no saber hacerlo.
Ante eso, y en una decisión de inesperada valentía, la película grita: libérate. De complejos, de miedos, pero sobre todo de esa propia fecha de caducidad que a veces nosotros mismos nos estampamos y aceptamos.

No existe el final de ninguna pasión, solo el saber adaptarse, pasar el testigo y buscar nuevas maneras de moverse con ella.
Las palabras de Hudson Hornet resuenan más que nunca, porque ahora Rayo McQueen se ha convertido en él, sin que nos diéramos cuenta, y hasta soy capaz de verme yo reflejado en esa sonrisa de suficiencia que le provoca el notar que las nuevas generaciones nunca serán como uno mismo: serán diferentes y, con suerte, mejores.
Durante toda la película se repite "no quiero acabar como Doc Hudson" cómo una maldición pero, tras saber que las oportunidades nunca se acaban si se sabe donde buscarlas, la pregunta pasa a ser "¿tan malo sería acabar como Doc, felizmente recuperado por su pupilo McQueen?".

La brecha generacional parece que solo existe si no se tiene la voluntad de acortarla, porque el mundo seguirá necesitando maestros que enseñen discípulos, y jóvenes que puedan sentir emoción verdadera de manos de un curtido campeón.
Las pasiones nunca mueren si son compartidas, como tampoco se olvidan quienes tienen la suerte de compartirlas: quizá era esa la mágica conexión que permite a dos generaciones encontrarse, entenderse y apoyarse.
Y nada más bonito que despedirse de Rayo McQueen sabiendo que no se ha dejado frenar por un legado de titulares y copas vacías, sino que pisa a fondo, como siempre ha hecho, hacia un nuevo principio en el que todavía le queda mucho por compartir y ganar

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La guerra del planeta de los simios

Posted by Stipey on 23:39
César y sus monos son forzados a encarar un conflicto mortal contra un ejército de humanos liderado por un brutal coronel. Después de sufrir pérdidas enormes, César lucha con sus instintos más oscuros en una búsqueda por vengar a su especie. Cuando finalmente se encuentren, Cesar y el Coronel protagonizarán una batalla que pondrá en juego el futuro de ambas especies y el del mismo planeta. Tercera película de la nueva saga de El Planeta de los Simios.

Hace mucho, casi ya unos 50 años, Franklin J. Schaffner convirtió la novela de Pierre Boulle en todo un ícono de este Séptimo arte. Una historia en la que nos perdíamos con el Coronel George Taylor (Charlton Heston), en la que compartíamos la incomprensión y desesperación que asolaba al personaje. ¿Un nuevo planeta totalmente dominado por los primates? ¿Los humanos relegados a animales? ¡Cuán maravillosa fue aquella fiesta! Y qué terrible es la resaca que de ella nos queda.

Obviando los pésimos films posteriores al primer largometraje, la trilogía que inició Rupert Wyatt en 2011 suponía una bocanada de aire fresco para esta desgastada historia. Representaba todo un enfoque radicalmente diferente al visto previamente en la gran pantalla. Los espectadores dejábamos de conocer nuevos viajeros espaciales, continuaciones locas y absurdas de un mundo de primates cada vez más semejante al humano en sus propósitos y problemas.

Con la película Wyatt ponía los puntos sobre las íes. Nos trasladaba al punto de partida para narrarnos cómo los hombres y cómo los primates se intercambiaban los roles. Todo podría haber quedado ahí con una más que buena explicación del origen del planeta de los simios; no obstante el hombre, y con él, la industria cinematográfica es ambicioso. Tal como sucedería con el film original, tocaba exprimir aún más la obra hasta vaciar el bolsillo del espectador.

De esta forma en verano de 2014 Matt Reeves tomó el relevo de Wyatt y continuó la saga con "El amanecer del planeta de los simios". Película convencional de acción y aventuras perfecta para entretener a un público en periodo estival sin ganas de ejercitar sus neuronas. Cierto es que continuaba, de forma acertada, la línea argumental que proponía su predecesora.

Pero, ¿por qué detenerse aquí? Como bien dice el refranero popular: "No hay dos sin tres". Y allá que fue Reeves con un nuevo largometraje. De esta forma llega "La guerra del planeta de los simios" a la gran pantalla. Presentada como la gran guinda del pastel, como la explicación última del cambio de mando en el planeta Tierra. ¿Y qué sucedió?
 
Que ni explicaciones, ni nuevos argumentos, ni hechos trascendentales. Simplemente una historia de esas fáciles de olvidar. Un historia de venganza que resulta totalmente intrascendente para el devenir de una civilización. Unos acontecimientos que podría haber encarnado cualquier personaje imaginable de la factoría Hollywood. Pero que por A o por B se decidió que la protagonizaran primates. Y así fue. La comida de marca blanca se enlató en envase de marca. Pero no es tan sólo la historia sino todo las piezas que confeccionan la película.

En primer lugar una cuadrilla de personajes que daría la talla en cualquier film de después de comer. El líder, el fuerte, el secundario que muere, el gracioso sin gracia y cómo no, la chica (más bien, la niña). Con la aparición de este personaje femenino, Reeves pretendía otorgarle a su obra un toque sentimental. El demostrar la compasión de los simios, la crueldad de los hombres y la bondad de los niños. Pero no nos vamos a engañar, este cóctel emocional que nos sirve el director es de puro garrafón. Esto se hace más que evidente con las falsas lágrimas de una niña tras la muerte un simio al que apenas conoce, lágrimas que ni siquiera aparecen tras la muerte del padre de ésta.

Contribuyen en esta mala broma unos enemigos que, a priori, pretenden representar el delirio de una especie abocada a la extinción. Pero que, más bien, dibujan el mayor de los esperpentos. "El Coronel" (interpretado por un aceptable Woody Harrelson) y su escuadrón de soldados, representan un fanatismo que sobrepasa el ridículo. Nada nuevo en esto de los tópicos: un malo que pierde el juicio y unos secuaces de aspecto rudo y torpeza extrema (imposible ver huir 500 simios de pelo negro en la nieve).

¿Y qué decir del final? No me quedan ya palabras para ello. Un ejército arrasado por una avalancha, la muerte del héroe al llegar a la tierra prometida... ¿Alguien da más en este despropósito? La banda sonora de la mano de Michael Giacchino no desentona. Puede que peque al buscar la sonrisa fácil de los enamorados del Rock al añadir el "Hey Joe" de Jimi Hendrix buscando, de esta forma, aliados en favor del film. Y es que poco se puede salvar de la quema en una película que más bien es un collage de clichés de cine palomitero. Quizá cabe destacar la fotografía, en especial las escenas de la playa con los simios cabalgando. A más de uno nos pareció ver de nuevo a Charlton Heston.
En definitiva, una película que se presentaba como un plato
de diseño con cierta intriga y expectación en sus ingredientes, ha resultado ser la misma hamburguesa americana grasienta que nos venden en toda esquina.

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Rock of Ages

Posted by Stipey on 11:11
Adaptación cinematográfica del musical homónimo de Broadway. Los Ángeles, 1987. Un aspirante a roquero y una chica que trabajan en el mismo club se enamoran y tratan de impedir que el local caiga en manos de unos empresarios que quieren demolerlo.

Habia visto la película hace tiempo, y gracias a la reposición por parte del parque Warner de la "versión reducida" del musical, me dispuse nuevamente a verlo, me soprendió que muchos actores que en 2012 eran desconocidos ahora al volver a ver la película, a día de hoy, 5 años más tarde son auténticas estrellas...
Across the Universe, Moulin Rouge, Mamma Mia, GLEE. A parte de pertenecer al género musical, estas películas (serie televisiva en caso de la última) tienen algo en común. Todas ellas utilizaron canciones ya conocidas para contar su historia. Éxitos de ayer, hoy y siempre, que incorporadas a sus tramas, lograron llevar más allá la forma de hacer musicales e imponer este nuevo estilo. ¿Para que escribir canciones nuevas cuando las canciones clásicas funcionan excelentemente y se pueden insertar fácilmente en casi cualquier historia? “Rock of Ages” va por esta tendencia, pues a pesar estar basado en un musical de Broadway, aborda el estilo de utilizar canciones bastante conocidas para contar su historia. Si bien esta es una buena jugada, hay que dejar en claro que seleccionar un puñado de buenas canciones no hacen bueno a un musical.

La historia a cargo de la guapísima Catherine Zeta-Jones se siente bastante torpe e incluso llegar ser estúpida en varios momentos. Se le da más importancia a los números musicales, la mayoría de ellos muy mal intercalados en la trama (creo que incluso en Mamma Mia y Burlesque intercalan mejor los números musicales y tampoco son muy buenos filmes que digamos). Incluso me atrevería a decir que la trama de Los Muppets está mejor escrita e incluso las canciones tienen más encanto que los números de este fallido filme, pues sabemos que un himno del rock solo puede despertar la misma emoción si es interpretada por su compositor. La “Bohemain Rapsody” nunca será lo mismo sin Freddy Mercury y por más que Tom Cruise trata de meterle chispa a sus números dentro del filme, no logra escapar de la sombra de sus intérpretes originales. Sea como sea, se agradece la energía de Cruise y su carísma, pues es de lo poco rescatable de este filme que prometía mucho y termina ofreciendo muy poco.
En fin, filme que pudo haber sido espectacular, más que desperdicio a su gran reparto a cargo de estrellas de la música y el cine, ni ellos pueden salvarse del desastre de esta desangelada historia decorada con unos números musicales que ya quisieran mínimo empatar las cotas de emoción de un coro de iglesia (imagínense que tan desalmados son estos números).El Rock vivirá por siempre, más no será por esta película, sino porque el legado de estas estrellas nació para ser eterno y porque afortunadamente, los desastrosos covers de este filme no le harán ni pizca de daño a la inmortalidad esos grandes temas.

Le pueden dar ese plus y la energía necesaria para que funcione, pero los guionistas deben plantearse si van a utilizar las canciones para contar una historia o si van a crear una historia para insertar las canciones. Moulin Rouge es un excelente ejemplo de cómo a partir de una historia se escogen canciones que ayudan a avanzar a la trama y a expresar los sentimientos de sus personajes. Por el contrario, Mamma Mia, Burlesque o Rock of Ages son películas cuya historia está a merced de sus canciones y sin ellas no serían nada. Los mejores momentos de “Rock of Ages” es cuando sus personajes interpretan esos grandes temas, sin embargo esto no es tanto mérito del filme cuando tenemos en cuenta que es imposible no emocionarse con canciones de intérpretes como Foreigner, Poison, Bon Jovi o Journey (con una versión más de “Don´t Stop Beliving, como si no fuera ya suficiente con la de GLEE). Por ende, no es responsabilidad de la película el que su público se emocione, sino estás grandes canciones, pero en dado caso, el mérito no se lo adjudica este filme. “Rock of Ages” no ofrece argumento alguno y lo poco de argumento que hay es simplemente pretexto para darle todo terreno a estos números musicales. Estamos ante otro musical en el que no hay historia, sino que todo es canción tras canción, algunas veces sin orden ni concierto.

Si un musical no tiene un buen guión debe ofrecerer al menos unos muy bien ejecutados números musicales para ocultar este detalle y para ofrecerle al público un buen espectáculo, a fin de cuentas el musical se apoya bastante en las artes visuales para darle otra dimensión al show. Lo malo es que ni siquiera los números musicales de “Rock of Ages” están bien ejecutados, son bastante simples, al menos para las canciones que acompañan. Son más del tipo “Mamma Mía” y “Nine” y bastante lejos del tipo “Chicago” o “Across the Universe”. Se dejan ver, pero tampoco llenan al público de esa emoción y energía que emanan los grandes musicales del séptimo arte. En cuanto a la historia, si es que hay una historia de por medio, pues diría que es bastante simple y descafeinada. La típica historia cliché de los jóvenes idealistas que se enamoran es contada de manera bastante fría y en ningún momento llegas a sentirte cómplice ni llegar a sentir empatía alguna con la pareja protagonista. Hay tramas paralelas, pero ni los demás personajes ni estás tramas secundarias se sienten bien intercaladas, pareciera que todas son parte de distintas historias que trataron de meter forzadamente en el argumento principal, pero en ningún momento se logra desarrollar ninguna de estas tramas correctamente.

Lo mejor la BSO llena de temas del Rock, llevo 2 días escuchándola practicamente en bucle.

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Swiss Army Man

Posted by Stipey on 00:36
Tras una larga temporada aislado en una isla desierta, Hank encuentra compañía en el flatulento cadáver de un joven que el agua ha traído hasta la orilla. Poco a poco, el náufrago y el cadáver desarrollan una hermosa amistad.

Swiss Army Man no va a dejar indiferente a nadie.
Una película en la que apenas hay dos personajes y uno de ellos es un muerto que se tira hora y media tirándose pedos y teniendo erecciones jamás podría dejar indiferente a nadie.
El problema de Swiss Army Man no es su extraño título (¿por qué se llama así? ¿lo explican y yo no me he enterado?) no es su consciente aire bizarro, ni su riesgo ni su anticonvencionalismo. Al revés, todo eso es suficiente para aprobarla, porque está hecha con una valentía y con unos arrestos que ya quisieran muchas películas. En serio, hacen falta más películas como Swiss Army Man, que se caguen (literalmente) en las convenciones, en tanto remake, reboot y secuela y aporten un poquito de originalidad al adocenado mundo cinematográfico actual.
Eso sí, estaría bien que esos genitales bien puestos y esa originalidad vinieran acompañados de una buena historia que contar.
Porque ese es el problema de Swiss Army Man. ¿Qué historia cuenta? ¿Dónde están unos buenos diálogos? No están, y eso ocurre porque la idea (un náufrago que encuentra un cadáver y decide hacer diversos usos de él para sobrevivir hasta que el cadáver, digamos, "resucita") daba para un corto, un gran corto, pero no para un largometraje. Sí, la amistad entre Manny y Hank es incluso tierna en algunos momentos a pesar de la escatología, pero el metraje es excesivo y las historias secundarias no aportan nada.
Por suerte, tanto Paul Dano como Daniel Radcliffe están estupendos en sus roles y le echan un morro y una comicidad al asunto muy de agradecer. Como el resto de la película.

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Baby Driver

Posted by Stipey on 22:23
Baby (Ansel Elgort), un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de ser forzado a trabajar para un jefe de una banda criminal (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un golpe malogrado amenaza su vida, su amor y su libertad. 

Baby Driver, lo nuevo del siempre atrayente Edgar Wright, es otra muestra más de la habilidad del cineasta británico para, siguiendo (y subvirtiendo) las reglas de los géneros, como ya hizo en Shaun of the Dead, Hot Fuzz o The World’s End, ofrecer un producto divertido, espídico y muy disfrutable.

Baby Driver es la historia de un joven prodigio al volante, con un problema auditivo producto de un accidente de niño que lo aísla del resto de personas, el cual debe conducir coches empleados en atracos y asaltos hasta liquidar una deuda pendiente con un importante cerebro criminal de la ciudad de Atlanta, Georgia. Su vida dará un enorme vuelco cuando conozca a una joven camarera igual de apasionada por la música que él y la imposibilidad de abandonar el mundo criminal una vez saldados sus compromisos.

La portentosa narrativa de Wright junto a una fotografía espectacular del maestro Bill Pope (Darkman, Bound, la trilogía de Matrix o Team America) se ven sublimadas por un montaje que no da tregua a ritmo de hit musical. Destacando la gran persecución del prólogo de la cinta (al nivel de las mejores de la historia del cine, como las de Bullit, French Connection, To Live and Die in LA, The Hidden, Ronin o Drive) y el deslumbrante plano secuencia inicial. Pocas veces el montaje de una película ha estado tan bien sincronizado con la banda sonora, materializándose esta en cada uno de los fotogramas que vemos.

En cuanto al conocido reparto, Kevin Spacey, Jon Hamm, Jamie Foxx, Jon Bernthal o Eiza González, decir que pese a estar todos estupendos en sus prototípicos personajes de historia pulp de manual, se ven eclipsados por unos jovencísimos pero fantásticos Ansel Elgort y Lily James.

En definitiva, a pesar de no ser perfecta ni la mejor obra de Edgar Wright, ese honor lo siguen ostentando Shaund of the Dead y The World’s End (para quien escribe), es una película endiabladamente entretenida, con una factura técnica fabulosa, diálogos y golpes de humor típicos de Mr. Wright, personajes pasados de rosca y al borde de la caricatura, y un continuo devenir de hits musicales de grandes artistas (Queen, T-Rex, Simon & Garfunkel, James Brown, The Commodores, etc.) que conseguirán que disfrutemos como enanos durante casi 120 minutos con esta historia de atracos, tiroteos y persecuciones a toda velocidad por las calles de Atlanta.

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La cura del bienestar

Posted by Stipey on 07:01
Un joven y ambicioso ejecutivo de empresa (Dane DeHaan) es enviado para traer de vuelta al CEO de su compañía, que se encuentra en un idílico pero misterioso "centro de bienestar", situado en un lugar remoto de los Alpes suizos. El joven pronto sospecha que los tratamientos milagrosos del centro no son lo que parecen. Cuando empieza a desentrañar sus terribles secretos, su cordura será puesta a prueba, pues de repente se encontrará diagnosticado con la misma y curiosa enfermedad que mantiene allí a todos los huéspedes, deseosos de encontrar una cura. 

La cura del Bienestar es una película que tenía mucho potencial, una película de misterio en un hospital de aguas termales. No obstante, sus 2 horas y media de película se hacen largas y al final a Verbinski se le va la pinza, pero comencemos por el principio.
La primera hora y media logra crear expectación, meternos de lleno en la historia, gracias a la genial fotografía, y la genial interpretación de Dane DeHaan. No obstante, se cae en el cliché más absoluto en demasiadas partes en la película, y el guión tiene más sinsentidos y agujeros que un queso Gruyere. 

Se puede permitir una pequeña trampa de ve en cuando, pero no cuando despues de esa hora y media, la película cae en los ridículos. Como bien decían mis compañeros en el cine "Al director se le ha ido completamente la pinza". No sabe si al final quiere contar una thriller psicológico, un culebrón con aires a "El Internado" o una película de ciencia ficción. Además, le gusta incluir escenas que no aportan nada y que rallan en lo desagradable, de manera innecesaria (y creedme, para que yo diga eso, son muy muy desagradables y asquerosas). En algunas partes finales se pierde toda lógica y se cae en escenas de vergüenza ajena, que provocan risas en el público. 

Y además ese final que tanto se hace esperar, no llega a sorprender del todo, pero queda bastante ridículo y no nos dice nada.
No obstante le doy algunas notas positivas: La película logra ser entretenida en muchos fragmentos, y logra transmitir una sensación de desasosiego como ninguna otra. Además, pocas pegas se le pueden poner a los actores, a un Dane deHaan desatado, a una Mia Goth angelical y siniestra y a un Jason Isaacs (aunque no podamos quitarnos de la cabeza a Lucius Malfoy). 

La película en lo visual es genial. No obstante, los agujeros de guión, las escenas ridículas, su larga duración, y ese final acaban lastrando la película.

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El círculo

Posted by Stipey on 06:44
El día que Mae Holland es contratada para trabajar en el Círculo, la empresa de internet más influyente del mundo, sabe que se le ha concedido la oportunidad de su vida. A través de un innovador sistema operativo, el Círculo unifica direcciones de email, perfiles de redes sociales, operaciones bancarias y contraseñas de usuarios dando lugar a una única identidad virtual y veraz, en pos de una nueva era marcada por la transparencia. 

El círculo nos propone una historia sobre una chica de familia humilde que pasa de una vida monótona, sin ninguna oportunidad de superación laboral, a entrar en una de las más importantes empresas de internet, podríamos decir que "El círculo" es un nombre muy meditado, porque una vez que entras, es muy difícil salir.

La película va configurándose de tal manera que plantea un dilema moral sobre la necesidad de privacidad del ser humano y hasta qué punto interfiere con el uso ininterrumpido de las redes sociales, cómo se aceptaría una red social si estuviéramos obligados a usarla. Por otra parte, contrapone una línea muy estrecha entre el trabajo y el ocio, el peaje que hay que pagar por un trabajo bueno y valorado, en una empresa que te organiza hasta el último detalle de tu vida. Todo esto, bien planteado, podría haber hecho de "El círculo" un taquillazo de proporciones épicas, pero se pierde en la nada, con varias tramas que quedan inconclusas al final de la película.


En 'El círculo' nos encontramos con una temática actual y que nos sumergirá de inmediato en el film con aspectos de nuestro día a día: internet, los SMS, los seguidores, las redes sociales, la intimidad… todo ello en un entorno empresarial absolutamente paternalista y tramposo. Un entorno que se termina por hacer dueño de la vida pública y privada de sus empleados como si de una secta se tratara, tan es así que los trabajadores de “El Círculo” pasan a denominarse a sí mismos como “circulistas”, teniendo su propio credo y/o lema: “Compartir es querer” y alejarse del mismo no está mirado con buenos ojos.

En relación a lo anterior destacar que el guión fue escrito por el propio director, James Ponsoldt, contando con la revisión del mismo Dave Eggers (escritor de la obra aquí adaptada), y nos plantea un debate muy claro: publicidad o privacidad. Esta cuestión se estructura en tres partes, siendo la conclusión lo más flojo al tornarse demasiado rápida y no ahondar en todo lo que se podía haber prometido...

El reparto es muy atractivo, pero a la hora de la verdad es Emma Watson la que lleva todo el peso del film. Ella es el alma de la película, en todo momento nos sentimos a su lado y experimentamos sus mismas sensaciones y la vemos cambiar. Resaltar también que esta fue la última película de Bill Paxton que interpretó al padre del personaje de Emma Watson.

En definitiva: 'El círculo' es un film que prometía ser un gran thriller y que funciona bastante bien en sus dos primeros tramos… pero al llegar al final todo está a punto de derrumbarse por una resolución demasiado torpe que, claramente, no satisface las expectativas que uno había ido generándose a lo largo del metraje. No obstante, debería hacer reflexionar a aquellos que han convertido su vida en una red social con “mogollón de amigos y/o seguidores”…

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